Skulpturen auf dem Kunstmarkt: Vom Stiefkind zum Hype

Noch vor gut zwei Jahrzehnten wurde die Skulptur der Klassischen Moderne und der Nachkriegsära auf den Kunstmärkten eher als Beiwerk der alles beherrschenden Malerei betrachtet. Reine Skulpturensammler gab es kaum, eine wohlbedachte Mischung der Gattungen war noch an der Tagesordnung. Einer der großen Einzelgänger, der schon in den 1960er-Jahren begonnen hatte, mit Werken von Jean Arp und Henry Moore eine weltumspannende Skulpturensammlung aufzubauen, war der texanische Immobilienzar Raymond D. Nasher. 30 Jahre später in einem Interview befragt, warum er sich damals für die Plastik entschieden hatte, gab er die pragmatische Antwort: „Keiner wollte sie. Das gab mir große Chancen.“ Nasher und seine Frau Patsy haben 2003 in Dallas das Nasher Sculpture Center errichtet, in dem über 300 Plastiken von Rodin bis Jeff Koons und Alex Israel gehortet werden. Der Auktionsbetrieb hat die Skulptur in den letzten zwei Jahrzehnten in den Marktolymp befördert und damit Nashers Pioniertat auch den kommerziellen Ritterschlag gegeben. Wer zurückblickt, kann nur über den rasanten Aufschwung von Werken weltbekannter Bildhauer staunen. 2002 war es Constantin Brancusi, der mit der bei Christie’s für 18,1 Millionen Dollar versteigerten „Danaide“ (Bronze mit Blattgold) an der Rekordspitze aller Skulpturen lag. Im selben Jahr erzielte Alberto Giacomettis achtfigurige Bronze „Der Wald“ im selben Auktionshaus 13,1 Millionen Dollar. Das sind Preise, die man 15 Jahre später im besten Sinne als historisch bezeichnen kann. Vor allem die Giacometti-Preise sind seit 2010 explodiert. Im Februar 2010 wurde bei Sotheby’s in London die Bronze „L’Homme qui marche“ mit umgerechnet 104,3 Millionen Dollar zum damals teuersten Kunstwerk der Auktionsgeschichte. Die Dresdner Bank hatte das Hauptwerk 1980 für 750.000 Dollar erworben. Siegerin im Bietgefecht war Lily Safra, Witwe des brasilianischen Bankers Edmond Safra, deren Vermögen auf 1,3 Milliarden Dollar geschätzt wird. Knapp denselben Preis, nämlich 100,9 Millionen Dollar, erzielte die Bronze „Chariot“ im November 2014 bei Sotheby’s. Ein halbes Jahr später, im Mai 2015, erlöste die handbemalte Bronze „L’Homme au doigt“ bei Christie’s 141,2 Millionen Dollar – bis heute der höchste Auktionspreis für eine Skulptur. Käufer beider Hochpreiswerke war der Hedgefonds-Milliardär Steven Cohen, der laut „New York Times“ seine Kunsterwerbungen mit Bankkrediten finanziert. Wer diese Preise betrachtet, wundert sich kaum, dass die Kommerzialisierung auf die Spitze getrieben wird. Im Herbst 2006 entrüstete der New Yorker Megahändler Larry Gagosian seine Kollegen, als er einen Deal mit der Pariser Giacometti-Stiftung verkündete, der ihm den Verkauf von 119 posthumen Bronzegüssen aus dem Stiftungsfundus zusicherte. Die Preise einiger der in einer Auflage von acht Exemplaren gegossenen Plastiken lagen damals bei 850.000 Dollar. Auch danach belastete ein Fälschungsskandal den Markt. Im Mai 2009 wurden in einer Mainzer Lagerhalle über 1.000 gefälschte „Giacometti“-Bronzen und -Gipse beschlagnahmt, die mit gefälschten Gießermarken und gefälschten Echtheitszertifikaten lockten. Ein Mainzer Kunsthändler-Ehepaar und ein als „Reichsgraf“ auftretender Betrüger waren die Vermittler. Streitfälle mit Nachgüssen hat es in den letzten Jahrzehnten häufig gegeben. Am problematischsten sind Güsse, die nicht von den Inhabern der Urheberrechte autorisiert wurden. Das betrifft zum Beispiel Bronzen nach Rodin-Werken, die seit dem Tod des Bildhauers, der sich selbst nie um Authentizitätsprobleme kümmerte, zu Tausenden in Umlauf sind. Auch das Pariser Musée Rodin, das von den ihm zur Verfügung stehenden Originalgipsen anfertigen darf und darüber hinaus Reproduktionen verkauft, hat zu der allgemeinen Verunsicherung erheblich beigetragen. Notorisch sind auch die posthumen Güsse von Maillol-Plastiken, die die späte Maillol-Muse Dina Vierny initiierte. Seit den 1990er-Jahren kursieren auch gefälschte Abgüsse nach Henry-Moore-Plastiken, teils Nachempfindungen im Stil des britischen Bildhauers, teils Abgüsse nach Güssen. Handel und Sammler können sich vor Problemen dieser Art schützen, indem sie für jede Skulptur das Datum der Konzeption der Skulptur und das der Ausführung ermitteln. In den Auktionskatalogen der großen Häuser gehört das heute zum Pflichtprogramm. Der Markt der authentischen Meisterwerke führt sein eigenes Luxusleben. Im Mai dieses Jahres erzielte Rodins Marmorgruppe eines sich umarmenden Liebespaars („L’Eternel Printemps“) bei Sotheby’s 20,4 Millionen Dollar, und eine der berühmten „Reclining Figures“ von Henry Moore wurde am 30. Juni 2016 bei Christie’s für umgerechnet 33,1 Millionen Dollar zugeschlagen. Auch die Plastik großer Maler hat einen hohen Stellenwert auf dem Weltmarkt. Amedeo Modiglianis Spitzenwert liegt seit 2014 bei 70,7 Millionen Dollar (für einen Frauenkopf in Kalkstein), für den 1930 von Henri Matisse konzipierten und 1978 gegossenen „Rückenakt“ (4. Stadium) bei 48,8 Millionen Dollar, die Larry Gagosian am 3. November 2010 bei Sotheby’s einsetzte. Die berühmteste Skulptur von Degas, die „Petite Danseuse de quatorze Ans“ war das einzige plastische Werk des Malers, das er zeitlebens ausstellte. Die 150 anderen Modelle von Tänzerinnen und Pferden wurden erst nach seinem Tod 1917 in Bronze gegossen und vermarktet. Das originale, 98 Zentimeter hohe Wachsmodell der kleinen Tänzerin war bis 1999 in der Sammlung von Paul Mellon in Virginia. Ein Bronzeexemplar mit Musselin-Rock und dem Gießerstempel Hébrard erlöste im Juni 2015 bei Sotheby’s den Rekordpreis von 15,8 Millionen Pfund, nach damaligem Kurs rund 25 Millionen Dollar. Auch die zeitgenössische Skulptur profitiert von dem unaufhaltsamen Boom. Im Mai 2016 ist der italienische Bildhauer Maurizio Cattelan bei Christie’s mit einem Schlag in die Gruppe der mit zweistelligen Dollar-Millionen dotierten Künstler aufgestiegen. Die Figur eines kniend betenden Hitler („Him“, 2001) des für seine hyperrealistischen und sardonischen Werke bekannten Künstlers wurde mit 17,1 Millionen Dollar bewertet. Doch das ist noch nichts gegen die Summen, die der vom Internetportal Artprice als „most desirable artist of our time“ gepriesene Amerikaner Jeff Koons alljährlich erlöst. Im Mai 2001 begann sein Aufstieg in die Phalanx der Millionenkünstler, als die lebensgroße Keramikplastik „Michael Jackson with Bubbles“ bei Sotheby’s 5,6 Millionen Dollar einspielte. Im November 2013 erfolgte dann der definitive Ritterschlag bei Christie’s mit dem orangefarbenen „Balloon Dog“, der für 58,4 Millionen Dollar an den amerikanischen Kunstinvestor und Warhol-Monopolisten José Mugrabi fiel. Koons, der manche Bildwerke bei Herrgottschnitzern und in Porzellanmanufakturen herstellen ließ, ist der teuerste lebende Künstler. Auch wenn der Rekordpreis von 2013 bisher nicht mehr erreicht wurde, so wurden allein in den letzten zwei Jahren nicht weniger als sieben Koons-Skulpturen zu Preisen von 5,7 bis 15,2 Millionen Dollar versteigert. Ein Künstler, der als der Protagonist des unkontrollierten Hypes bezeichnet werden kann, ist der Brite Damien Hirst. Als am 15. September 2008, dem Tag des Lehman-Crashs, eine Exklusivauktion seiner Werke bei Sotheby’s offizielle 127 Millionen Dollar einspielte (abzüglich der nicht bezahlten Lose), war das eine Marktfanfare für die aktuelle Kunst. Damals erlöste die Formaldehyd-Skulptur „Das goldene Kalb“ umgerechnet 16,5 Millionen Dollar. Drei Jahre zuvor hatte Steve Cohen einen in Formaldehyd konservierten Hai für zwölf Millionen Dollar erworben, der sich bald zersetzte und, als das Werk als Leihgabe im New Yorker Metropolitan Museum stand, durch einen frischen Raubfisch ersetzt wurde. Hirst wurde von der „New York Post“ als der „biggest hustler of the modern age“ bezeichnet. 2007 schuf er einen diamantbesetzten Totenschädel, dessen Produktion um 24 Millionen Dollar kostete und dessen Verkaufspreis mit 100 Millionen Dollar beziffert wurde. In seinen Besitz teilten sich eine Investmentgesellschaft, der Künstler und sein Galerist Jay Jopling. Inzwischen soll der Schädel im Besitz der katarischen Großsammler Al Thani sein. 2016 eröffnete Hirst im Süden Londons eine eigene Galerie, in der 3 000 Werke seiner Privatsammlung figurieren und Ausstellungen gezeigt werden. Auf dem Hirst-Markt war es in den letzten fünf Jahren um den Kunststrategen ruhiger geworden, die Preise fielen um 30 bis 50 Prozent. Da musste ein neuer Kunstcoup die Publizität anheizen. Parallel zur Kunstbiennale Venedig zeigt der multimediale Künstler eine als monumentalen Fake konzipierte Schau von Schätzen, die aus einem fiktiven Schiffswrack geborgen wurden (worüber wir noch berichten werden). Die Herstellungskosten der Schau gibt der Künstler mit 50 Millionen Pfund an. Bleibt abzuwarten, ob dieses übersteigerte Comeback dem Markt neuen Auftrieb gibt. Nicht annähernd so publicityträchtig wie bei Koons und Hirst erobert sich das Werk gestandener Bildhauer wie Louise Bourgeois, Bruce Nauman oder Ai Weiwei den Markt. Auch ihre Werke haben die Millionengrenze längst überschritten, die Werke von Bourgeois sogar die Zehn-Millionen-Grenze. Die Entwicklung bleibt spannend, denn auch die Protagonisten der Minimal Art wie Donald Judd, Carl Andre oder Richard Long haben einen steigenden Markt, und der deutsche Bildhauer Thomas Schütte, der schon im Oktober 2016 bei Christie’s mit der „Bronzefrau Nr. 13“ und dem Hammerpreis von 4,7 Millionen Dollar reüssierte, hat eine internationale Sammlergemeinde. Kunsthistorische Weihen spielen angesichts dieser Marktpositionen nur eine Nebenrolle. War es früher umgekehrt, so entscheiden heute die Publizität eines Künstlers und die Intensität seiner Vermarktung über seine Museumskarriere und den globalen Ausstellungsbetrieb. Der Markt hat sich verselbstständigt, Sammler und Investoren prägen das Geschehen. Die Museen hinken teuer nach.